王光乐谈双色

2019.01.19

王光乐,“双色展览现场,2019. © 王光乐佩斯画廊惠允.

在纽约佩斯画廊的最新个展双色艺术家王光乐延续了他标志性的工作方法在画布上均匀渐进地涂刷颜料使层次向中心聚拢的同时徐徐展现微妙的色彩渐变最终形成蕴含着空间的画面此次展出的无题系列选用了大量明朗的对比色本文中王光乐谈及他在处理颜色时背后的考量以及他对时间主题的探索他的艺术观以及心目中理想的理性状态展览将持续到29.

这次展出的是无题系列的新作但其实整个系列从2009年就已经开始了这里面并没有什么进步更新只是充分展开而已。“无题有点像寿漆之后一次从观念向形式偏移的矫正它更偏绘画一些所谓绘画”,我觉得只是一个工种没有那么特殊我创作时的本意是想通过降低技法上的难度让绘画跟更多普通的劳动联系起来不要让人觉得太专业

不满足于绘画专业性的原因在于在我的理解中自己是通过绘画来从事艺术而艺术应该是一种艺术观是通过艺术去看待世界的状态我想用这一点来与现在的技术观科学观资本观的世界做出区别今天的全球化是技术和资本的全球化对人们行为进行评判的标准多出于经济制度法律甚至道德的考量我觉得这样的世界不够完美我希望审美和艺术这些不太受重视的看待世界的维度能够有更多机会发出声音

时间也是这样一个维度它可以帮助我们摆脱功利或者情绪化的视角把人从具体事情中抽取出来不管你的一天过得好或坏用时间的维度来看只是不同形式的度过而已艺术和时间都能去对抗现在以技术和资本为强势影响的世界

当然所谓对抗资本不是要剔除商业因为剔除不了商业已经是文明中很深的组成部分了;“反技术也不是说要抛弃手机回归原始只是降低技术在文明范式中的权重同时拔高艺术和其他东西达到更平衡的状态

回到无题”,这个系列里的一张画通常要涂刷几百层颜料花费两三个月完成作品命名依照的是画作结束的日期这并不是因为完成这件事有多重要而更像一种邂逅有时候颜料用完了一张画自然地结束就把日子签上去它是一个时间的标记除了工作方法我不对画面进行预判碰到尘土颜料的滴洒都会自然地刷进去最后画面堆叠起来的气泡疙瘩反光不均匀的东西都不构成困扰跟皮肤的皱纹色素沉淀的老年斑一样它在展开的过程中该什么样就什么样

我理解的艺术艺术史是一条蜕皮的蛇博物馆保存的是所有时代召唤艺术这条蛇之后蜕下来的蛇皮艺术是恒定的只是每个时代要创造新的形式把它呼唤出来比如我们看到蒙娜丽莎被印在各种消费品上今天的人们看到它已经不会再有画作刚被创作出来时带给人的感受了它被视而不见而被视而不见的正是作品的形式部分如果作品除了形式没有其他东西那等于形式死了艺术也就没了需要造出新的形式去重新召唤这条蛇类似的上一代艺术和这一代艺术之间不存在好坏的比较无题系列也不存在进步更新的问题

这次的颜色是一个变化过去我有自己习惯和偏爱的颜色后来慢慢觉得就像材料没有好坏只有用得对不对一样颜色也没有好看难看喜好交给观众另外古人特别喜欢说现实是尘世尘土的世界只要是尘就有颜色所以又有红尘一说当画里没有具体的现实对照只剩下颜色的时候我觉得这些颜色也就具有了现实的指向性佛教里认为尘世就是烦恼而烦恼是因为你对心的启用错误其实烦恼的人离智慧只有一纸之隔只要心安顿好有烦恼的人都可以是很智慧的人我特别喜欢这个说法我觉得有必要指出颜色的这层象征希望观众可以往那儿去想

我曾经是个激情四射的人也反思自己不够理性可能整个社会都比较缺少理性我一开始接受的是写实的绘画训练一直以为画得越逼真越趋向照片就越需要艺术家调动理性但就像康德说不清的物自体一样画出绝对写实的纯物质也是不可能的一幅人造的画能被识别仍然和人的感性认识有关所以后来就反弹回来也回到了我喜欢的传统中国心学中的”:所谓喜怒哀乐之未发谓之中”,把持到一种的状态所以无题对我来说具有理性练习的意义通过自我管理去调用和释放自己的激情和能量让表达更和风细雨更持久适恰

— 文/ 采访 / 顾虔凡


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保罗·施耐德谈沈阳驻地

2019.01.14

保罗·施耐德,“Rule 32”展览现场,2018.

艺术家保罗·施耐德(Paul Schneider)在一年中最寒冷的时节从伦敦来到沈阳在这里驻留了一个月的时间作为K11艺术基金会与英国皇家艺术研究院合作的艺术家驻留交换项目的一部分。1221驻地展览“Rule 23”在沈阳临时chi K11艺术空间开幕

沈阳是我来到中国后生活的第一个城市也是唯一一个),是非常真实的体验整座城市始终处于流动的状态位于剧烈变化的中心这使我惊讶新的发展以及建造工程一直在进行我感到这座城市在形成新的身份成为某些新的东西我在这里接触到艺术家和艺术空间不多但是就我拜访过的那些工作室和空间而言他们充满着活力饱含灵感和能量

无图无真相”(Pics or It Didn’t Happen)是网络社区4Chan的网站使用规则第32因此有了展览标题“Rule 32”) ,你可以说 Rule 32以及4Chan其余的互联网法则是一个讽刺性的论坛规则它同时是互联网早期还未像现在这样被管制和商业化的案例相机图像的灵感来源于微软开发的字体Webdings,这款字体由符号和图形组成90年代计算机和出版的产物它以简单的方式使得人们获得大量图像的同时不必消耗过多的电脑内存我使用这款字体或者那个时期的其他字体图形并非出于怀旧的目的而是认为他们相当的简约以简单低像素少数据量的状态在当时的电脑条件限制下工作

我想要创造一个环绕观众的空间使其处在一场表演当中作品在观察他们以及拍摄他们这次我感兴趣的是如何用最简单的方式使二维的相机图像具有空间上的深度并赋予其重量因此我使用薄木板作为陈设相机好像贴在纸板上一样这样空间感觉像一个巨大的模型或舞台布景在实验和制作中很快我意识到作品需要将观众聚合起来在不同层面和高度上将他们环绕一直被观看

我们看到越来越多艺术家的作品和展览在正式开放前先在社交媒体上被体验和被评价也有部分艺术家无论有意与否通过社交媒体网络塑造虚假的人格并且进行炒作这些都不是新鲜事但我认为艺术需要在艺术所应当位于的空间中面对面地被经历如此观众能感受到真实的体量色彩材料与临场感但如果你说的艺术指的是手机或电脑上的艺术那就从屏幕上看吧

我从不将我的空闲时间花在笔记本电脑上我也从来不用Facebook、Reddit、4chan等这些论坛或社交网络我感兴趣的是人们为何不参与到当下正在发生的事情中为何如此多的人仅通过他们的手机摄像头来观看世界我想要有一个易辨识好理解的图形以此展示人们是如何在美术馆里拍摄完一堆照片就走出去的或者如何来到一个绝佳的文化或自然场合中只是为了获得一张虚假的社交媒体背景图片人们拍照不再是为了拍下的事物而是为了证明自己

中国的互联网非常有趣对于不懂中文的人来说感觉非常奇异在中国对微信的使用太疯狂和吓人了所有的及时讯息视频电话、Facebook、Instagram、叫餐出行以及支付都在一个地方进行在我看来这个APP集中了太多的权力我喜欢微信里的贴纸表情它们太赞了像一个实时更新的流行文化指南比符号表情有趣多了

就个人长期的工作而言我对公共委任与较大体量的项目感兴趣我也与他人合作共同创作一些动画作品或出版物在其中探索和拓展我的实践这次驻地就像是我过去参加的展览或制作完成的作品一样总是启发我未来的创作这次出现的相机的图形和互联网规则是我希望持续去探索的命题

— 文/ 采访 / 张涵露


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苏伟谈想象·主流价值

2018.12.23

想象·主流价值展览现场,2018. 图片提供中间美术馆.

2017年年底北京寒冬之后某些秘而不宣的东西呼之欲出或许是一些与社会形成逻辑紧密相连的生产方式和组织方式对于文化工作者来说连接和重看文化生成的原因和文化生产同样迫切中间美术馆正在展出的想象·主流价值试图重新打开文化生产彼此间的界限进而在不同的历史时刻相互审视本文中联合策展人苏伟详述了展览主题产生的经过和背后的观念框架。“想象·主流价值将持续到2019324

展览想象·主流价值邀请了北京大学的戴锦华教授来和我共同策划这对中间美术馆和我个人来说都是一次非常有启发的尝试我们决定把焦点放在主流价值这个从九十年代起就一直盘桓在文艺背后的幽灵上展览同时也涉及到新世纪的最近几年主流价值在大众文化空间中的再度显影我们通过七个章节把当代艺术与文学电影剧场思想史大众文化等文艺生产形式并置在一起观察希望从广义的文化和文化政治角度获得对于艺术的价值和演变的理解

从艺术内部去讲的话九十年代对于我这样的后辈来说是既近又远的,“实验”、“当代”、“方案”、“研究”、“机构这些词汇都从这十年中产生但我们很少去具体地认识这一距离我们最近的当代史究竟有着怎样的文化动力当时艺术界各个层面的诉求又是什么在工作和研究中我发现明显存在着一个可以被称为主流价值的幽灵你可以说它是实体但它也是一个工具一个对话的对象是艺术界重新分化生产新目标参与全球化时一个绝对在场的参数用戴老师的话说它是一个恋爱的对象主流价值的认识和想象并非是一个事后定论的评估而更像是一种对家里人的默认我们都讲家丑不可外扬有些事不言自明不用讲公共道理就能解决实际上今天把这个家丑放到公共层面上来看尤其把艺术放到与其他文艺领域平等的位置来看会带给我们一点更为整体的认识整体的认识听起来很陈旧但比起缺乏知识立场和短视的生产实在还是太必要了

我们在展览中的思想史论争部分引用了分裂浮出水面这个提法实际上在我们有限的观察中九十年代的分裂和重新定位在文艺和思想领域普遍都有发生但是分裂是否导向了真正的论争和真正问题的浮现呢在这个巨大的问号前,“主流价值就变成了意味深长的参照它对具体的知识实践和创作实践的辐射成为我们关注的核心这种幅射里衍生出的关于价值的讨论从今天看来都显得非常局限它们似乎是为80年代划上一个句号消磨掉最后的情绪也为一些潜行者走上新的舞台奏出前奏但在这个主流价值作为价值判断的主谋和幽灵的过程中也恰恰映衬出一些个体的深入探索他们在具体而微的实践中对时代/个人知识/创作机制/个体情境/实践之间辩证关系的摸索为探讨真正的问题打开了道路

这次展览没有把主流价值限定在权力范畴而更多是从它的衍射隐喻它的隐身和显影的层面去观察我们在机制的层面怎么跟它对话在意识层面上如何想象它在文化和社会的建构过程中又是怎么叙述它的

所谓的主流价值是什么我们并未严格界定因为不同的视角会出现很多样的理解反抗主流价值的动作不断在发生激进和独立的诉求不会被抹杀但我们也看到这种反抗在一些个体身上逐渐蜕变成更为世故的游戏而主流/边缘权力关系的随时互换也让我们有一点警醒和疑惑所以我们想在展览中尽量远离这些表演把目光更多地集中在主流价值与文艺的共享空间考察两者之间对话和碰撞的复杂性重点不在于权力规定的空间和规则因为主流价值固化的外表下有着持续变动的属性它不是一朝定义永远不变的东西而这种持续变动如何在艺术和文艺创作者的预判反思和协商中出现更值得我们去探讨

提出想象这个词是因为和戴老师谈起九十年代知识界的变化,《学人丛刊的建立带动知识专业化的过程关于人文精神的论争以及新左派自由主义的论争这里面充满了各方对自身以及论敌立场的想象和预设比如新左派自由主义两种指称今天看来已经不能概括当时论争的阵地和价值指向双方各自对对方的质疑在今天可能也已经变成他们支持的东西这些影响深远的对于所谓中国主体性的讨论某种程度上是在预设和想象主流价值方向的前提下展开的从知识界内部衍生出的紧张在权威的话语空间中现身直到成为官方表述中的一部分这个过程本身就很值得反思

王兵电影父与子》,2014时长87分钟. 图片提供中间美术馆.

我们在展览中呈现诸如黑楼孤魂》、《彼岸》、《东方时空生活空间》、赵大钧庄辉的个体创作等等九十年代的案例都是从质疑某种历史叙述中经常浮现的绝对价值入手进而提供观察它们各自情境的复杂性和个体探索的角度在这里,“想象被赋予了另一层含义因为无论是创作者个人的无法描述的私密或者肉体空间还是在时代精神之下隐藏的潜在性空间在它们深嵌于社会进程的同时又同时具备出走逃逸成为孤岛的内在要求它们和那个主流那个框架之间的紧张关系也是在自我想象和互为想象的前提下不断得到阐释和消解的

在有关新世纪最近几年的部分我们涉及了几个问题包括现实主义传统的转译新现实的问题以及大众文化空间中主流价值的再造和消解李大方刘鼎广军赵大钧等几位年龄跨度很大的艺术家的创作都指向了在转译历史遗产时个体的维度他们并没有一味创造新的剧情去配合时代进程而是以现实主义和理性的态度对待身体和血液中的不能擦除的基因在展览委任创作的四个项目中我们把同人文化二次元空间严肃游戏耽美创作等大众文化领域纳入视野中这些东西并不是我们从今天的角度完全可以理解和消化的甚至其中的极端性无法定义的面貌岁月静好中埋藏着的革命与爱的展望对于主流价值的另类崇拜和游戏般的消除都让我们觉得危险而又蕴藏着可能

聚光镜立场阵营与问题的细化这个部分我们想提问的是最近两年的现实是否变得更加可视和无可回避是否可以说新的现实正在酝酿立场问题和阵营正在细化草台班和深圳北门工人剧社的合作郝敬班在2017年寒冬的记录王兵对于云南某个采石场中一对父子的纪录这些实践都涉及到艺术的伦理和自由的真空问题从不同角度讨论了创作与现实之间的对视彼此无关和不可预期的相遇我想这已经远离了过去几年本土艺术界热烈讨论参与性艺术时的状况那种当我们对于艺术的文化政治情境和内在情境无法充分辨识时寄托于一种创作范式的状况这种寄托感也正在成为艺术界的一种主流价值生产把给到我们面前的目光所及的现成品看成艺术的情侣和玩伴

— 文/ 采访 / 姚梦溪


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杨嘉辉谈近期创作

2018.11.27

杨嘉辉,《马路如虎口》,2018,4k录像单频有声,10分钟.

2017年代表香港参加威尼斯双年展2018年参加古根海姆美术馆的群展单手拍掌”,杨嘉辉是近年最具国际声誉的香港艺术家之一他近年的创作从专注于声音研究音乐实验和政治议题逐渐转向以更为视觉化发散的方式去呈现这些严肃议题目前马凌画廊上海展出了他的个展马路如虎口”,这个来自于1990年代香港政府宣传交通安全儿歌中的口号被杨嘉辉用来指涉汽车文化的发展与不同步的社会制度规范之间的矛盾基于对1933年芝加哥世博会和汽车历史的研究展览通过现场可驾驶的3D打印巨大鞋履形状的碰碰车关于汽车噪音的声音绘画以及动画视频作品前散落一地的柠檬以看上去幽默而轻松的方式讨论了关于汽车文化背后的种种政治性议题

马路如虎口源自我去年在芝加哥对这座城市的研究我从对芝加哥的兴趣逐渐细化到对1933年芝加哥世博会、1930年代的兴趣这一时期美国刚刚从大萧条走出来是一个明明经济依然很差却要硬装得很好的年代它很有趣也很矛盾你会在1933年芝加哥世博会中看到很多自动化的产品汽车文化和汽车生活就是其中的典型它是一种先于现实核实的天真同时这种自动化也具有黑暗面汽车是这个研究计划的开口1930年代汽车文化的普及随之带来的是该如何处理那么多汽车人与车的关系公共安全行为规范和法律制度它代表了国家意志的胜利也是关于自由它关乎危险和驾驭奢侈生活的表现和工人阶级的基本需求我们一方面对汽车的普及很自豪但同时又对它没有控制迷恋与恐惧并存它是多维度的同时又是非常加速和慌乱的当我们面对一个无法控制的机器和系统时我们只能去找那些让自己感觉好一些的办法政治系统也是如此我们看不见它所以我们过度地阐释和分析

在展览中我会考虑不同的空间特性在音乐表演时对空间的处理会比一般视觉艺术展览的空间处理更复杂你甚至会因为场地的条件而去修改编曲这与在工作室中创作完成一件作品的状态是不同的当空间没有特别明确的属性时艺术家就需要去掌控它这次在马凌画廊的展览也是如此对我而言这次展览如果去呈现极简的作品或是对空间低量处理是不适合的除了作品本身空间使用作品尺寸灯光设置这些环境因素没有必要被弱化或隐藏它们就是我工作中的一部分这也许与我接受作曲和音乐的训练有关一方面我们没有必要把音乐厅和剧场里聆听习惯和听觉体验直接照搬到展览空间中另一方面如何让观众到作品中的声音或是把声音音乐在视觉艺术领域里凸显是非常值得讨论的在创作时我会对作曲有所要求就比如这一次的动画作品马路如虎口》(2018),我会要求它的音乐旋律是能听但我必须强调关于声音和视觉的关系问题并不单单是声音艺术家或有音乐训练背景的艺术家会关注的对其他艺术家也是如此我们都在用自己特定的语汇”,只是在转化为艺术语言的过程中有所不同

在去年的威尼斯双年展中我第一次尝试了3D动画(《Palazzo Gundane (homage to the myth-maker who fell to earth)》,2017),这是一次很巧合的实验技术本身并不是我展览中所讨论的核心我没有意图去讨论虚拟数字世界和现实物质世界之间的转化它们只是我所使用的众多工具的一部分这次展览也是如此比如使用3D打印的画框和鞋履碰碰车更多是因为我不是一个雕塑家3D打印是我所能使用的雕塑塑形技术我在做研究的过程中比较理性收集材料和文献的过程就好像在做学术写作中文献综述我很享受这次做动画的过程它可以让我的创作过程不会停下来在做录像作品你的创作和思考过程还是会被打断而动画你可以一直做有灵感了就可以不断地更新我很享受这种流动性

杨嘉辉,《马路如虎口》,2018,4k录像单频有声,10分钟.

我之前的作品例如消音状况系列在核心概念上是比较清晰的我对这类作品的处理相对比较理性但它只是我创作线索中的其中一条而我近期的项目则属于另一条线索例如我去年在威尼斯双年展的个人项目赈灾专辑》(2017)和古根海姆美术馆的作品《Possible Music #1 (feat. NESS & Shane Aspegren)》(2018),它们跟我早年在剧场音乐厅中作品的处理方式更为相似我更偏向于让作品自然而然地呈现出来这可能跟我近年的创作状态有关我吸收了什么就让它自然地呈现所以你会看到最终的展览效果看上去色彩缤纷作品好像都是随意地摆放在空间中对于展览内容感官体验使用媒介我都不会做太多编排和设置因为在做这类型的作品时我不会考虑从编辑中剔除”(edit out)少即是多”(less is more),我会让它多就是多”。我现在对这种自然状态下的作品或展览形式更有兴趣它也更符合我现在的思考状态

— 文/ 采访/陈立


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娜布其谈近期创作

2018.11.22

娜布其,《真实发生在事物具有合理性的瞬间吗 ?》,2018控制器电箱玻璃钢喷漆奶牛模型平板小车电瓶不锈钢轨道户外球形灯仿真植物泡沫石头树脂柱子图片喷绘布帘镜子.

娜布其近期分别在北京C-Space+Local和上海香格纳M50空间内呈现了两个面貌皆然不同的个人项目:“双向入口以传统意义上的雕塑制作方式为出发点,“真实发生在事物具有合理性的瞬间吗?”则是利用现成品营造出总体场域但无论如何两场展览皆将观者带入了被包围式的观看观者在其中与环境或事物的关联分别提供了一种似曾相识的感受而面对当下转瞬即逝的现实人们又应如何寻求真实?“双向入口将持续至1128;“真实发生在事物具有合理性的瞬间吗?”将展出至129

空间外的风景No.16》(2017)开始我就希望通过做组合的方式让雕塑呈现一种在空间里面把人给包围进去的状态也就是说当观众行走其间的时候他不是在绕圈观看作品而是作品的很多不同部分将观者包围作品这样组合在一起有点儿像构成了一个场域也蕴含着叙事性但这种叙事性是抽象的它不一定有任何具体指向或者讲述任何故事而是更倾向于提供一种情节式的感受观众在作品里穿行这些小的场景就被串联起来给人一种似曾相识的感受

双向入口就是如此里面大部分场景都让人联想到一些我们熟悉的公共场所比如纪念碑公园体育场通道等这些场所都有一种公共空间的典型性,《持疑的场所包围和放射的形状)》所代表的是由中心向外发散以及由外部向中心包围的空间结构形状看起来像古希腊的圆形剧场与注视和被注视有关随着时间推移场所的外形和功能会发生变化但类似的空间类型一直存在所以雕塑中始终不变的其实是场所和人的关系也就是人在不同场所中所处的位置以及不同场所相对应的感受等。《持疑的场所中心点)》代表的是广场或者某个标识中心点位置的物体持疑的场所空地)》则表示城市中的小块绿地它们既是城市景观的一部分又部分地具有小型公园的用途处于被观看和可进入之间

上海香格纳M50空间的项目与去年尤伦斯的群展寒夜有一定关系整个展厅只有一件装置作品但它不是以单个物体形式呈现而是一个把不可视的内部空间打开的过程通过这次展览我想探讨的一个问题是当观众走进展厅发现里面没有一件东西是艺术家按照传统定义创作出来的他们会如何定义作品我把整个空间变成了一件作品而其中呈现的可能只是一些表皮一些装饰观众在这里也是被作品包围起来的是展览内容的一部分他需要参与需要完全融入这个环境作品整体才能成立我在2015平行的展览结束的时候就在想在场的问题所以你也可以说这两个展览都是对在场概念的实施

我之前的作品主要讨论物体和身体之间的关系而在最近的作品中身体的概念已经不再外在于物体而是在雕塑物体的内部和空间密切关联比如在表现不同场所的雕塑中我是把身体对于场所的反应考虑在内的上海的展览也是这样观众步入展厅实际等于进入了一个我布置的场所类似进入现实版的持疑的场所中的一件雕塑不同的是在雕塑中身体是一个更抽象的概念而在装置中更具现场性除此以外上海展览里人工材料的介入使得对真实的模仿真实之间的边界变得模糊有趣就如展览题目所提出的问题真实发生在事物具有合理性的瞬间吗我们如何认知周遭的世界是否眼见即为真实一种被给予的或者模拟的情绪一旦发生是否也可以被认定是真实的即使它存在的基础全无真实可言该如何看待此种被引发的情感

另外两个展览我都特意加进去了一些视觉障碍物它们的功能相当于一般的展墙但处在封闭和开放之间不会彻底阻隔视野但会让人在感受上有所不同双向入口这些结构也像是雕塑中的某些片段被放大至现实尺寸后呈现在展厅和雕塑形成互相关照同时混淆了现实和虚构坐在上面的感受很奇妙像是瞬间来到室外空间观看这些远近距离不同的场所这一点也适用于上海的展览一个模仿自然的场景发生在室内同时还有真实环境中的声音但人工质感的材料又会让人疑惑此处展墙的部分相当于室外建筑的缩影缩减为几个简单的体块

— 文/ 采访/贺潇


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苏畅谈一个临时空间

2018.11.18

苏畅,“一个临时空间展览现场,2018.

苏畅的雕塑作品常常通过简单有力的形式去探讨日常与感知的边界他的个人项目一个临时空间目前正在上海市静安区铜仁路3147314室展出本文中苏畅讲述了此次个人项目的实施契机以及他对雕塑工作以及人与居所的理解展览将持续至129

选择这个空间的初衷其实是因为它刚刚经历了清拆正处于被改造的间歇状态在我看来这是个临界点而我现阶段的兴趣正好是探索雕塑在常规空间之外对话的可能性在勘察现场的时候我发现房间中时间层层叠叠的痕迹与管道的水流响声可以与我作品中关于的暗示相呼应

我是上海人这样的一个空间背景会让我回想起自己小时候居住的环境对我而言在居民楼里呈现自己的作品可以被看做是一次回忆我觉得心理上的事实可能比眼睛看到的更真实这种混杂着经验与记忆的感知通过我们的肢体感受投射到现实的残影总是会让我更多地去思考物体与人之间的联系而随着时间的推移这些彼此之间的模糊联系被逐渐强化构成了新的可能

我原先并不知道这个地方有些事是很难用三言两语去形容的我在创作早期围绕这种模糊关系做过一些作品去帮助我拓展人与物之间的边界大概十年前我开始尝试寻找另一个苏畅”,与我同名同姓的另一个人后来我找到了他是位发型师于是我请他为我理发再后来又找到第三个叫苏畅的人他是个狗贩于是我从他那里买了条狗……这种将不同时空的经历串联起来形成的临时关系会打动我而我自己也致力于通过雕塑让观众感觉到这种模糊的冥冥之中的宿命感因此从某种程度上说这次展览在这里发生可能是注定的

我不太强调雕塑的物性对不同材质构成的修辞也并不敏感我总是选用最基础易得的材料其实是为了强调塑造本身我觉得也许可以通过雕塑最基础的方式在可见与不可见之间构建新的联系对我而言平铺直叙可能可以使得这种联系更为直观当然在对雕塑的自我实践中我一直在试着通过创作新作品来实现这一系统的推进但我自己也不确定能推到何处因为很多事人没办法计划也不可能预计这并不容易在未来我想自己可能会需要更多的时间耐心以及运气

— 文/ 采访 / 王智一


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