约翰·阿姆莱德（John Armleder）在上海外滩美术馆的展览“再，再”覆盖了这位瑞士艺术家长达数十年的创作，从二层主展厅的巨幅绘画及其标志性的“家具雕塑”开始，延伸至装置、影像、平面设计等不同媒介，尤其是四层与五层展厅丰富的视觉奇观效果，搭配以大量ECART时期的文献资料展示，令观者仿佛置身于一场年代错乱却热情审慎的风格庆典之中。

受约翰·凯奇（John Cage）的“非固定形式”（Indeterminacy）等概念启发，阿姆莱德一直将偶然性作为创作的核心要素，偶然性的引入同时也意味着开放作者权给其他艺术家，解读者，以及观众。比如在《滑板无罪》（2019）中，多变的广告颜色材料看似有意设计，但泼洒的动作将重力及其作用产生的随机性纳入了创作条件中。《de M & G H》(2015)中大片的白画布似乎在等待日久积尘，画面边缘单独一抹泼洒的蓝紫色显得更刻意，画面外镀金镀银的大号仿佛暗示着乐曲所蕴含的时间性也同样适用于绘画。Fluxus运动中的跨媒介通感思考和对外部语境的开放心态在这里展示得非常充分。

然而，这种开放性在三层展厅艺术家与本地摄影师张家诚的合作中遭遇了挑战。当观者进入《虎丘公园》，看到上世纪九十年代市民公园熟悉的符号和材料时，点缀其间的空白画布和组合雕塑立刻显得格外跳脱。这种消费式的文化元素挪用和“为艺术而艺术”的留白之间形成了巨大反差，原本应该更加模糊的作者性在此处反而变得愈发明确，开放的场域化为闭合的园景。哪些是艺术家的目的，哪些是合作者的参考，看起来有些一目了然。

尽管如此，从长期来看，开放的态度确实在为阿姆莱德不断注入活力。他似乎早已明白，没有什么风格可以永驻。四层展厅的全镜面Disco舞厅可以说是他对风格本身的背离，将观者的注意力无限反射在他们自己身上。舞厅中央的两套Brooks Brother西装使人想起超现实主义画家马格里特反复刻画的虚构人物，一个代表资产阶级品味的男人（这当然是非常有局限性的定义）。也许复数的形式表示一种延时的必然。与其紧随潮流为自己制造矛盾和疲劳，不如用镜子和匿名人偶让观者自行投射对艺术家的想象。阿姆莱德最终似乎在给观者传递某种有些悲观色彩的讯息：没有唯一正确的风格使人满意，只有保持对变化的开放和警惕，才是艺术家像展览中反复出现的圣诞树一样长青的秘密。

文／ 李石影