罗克萨娜•佩雷斯-门德斯出生于波多黎各，目前生活在费城和纽约，是一名录像、行为和装置艺术家。她关注历史和身份认同感的脆弱性问题，前不久参与了广州时代美术馆的“换位思考”项目（7月16日-8月28日），7月24日来到上海的外滩美术馆进行题为“身份与历史”的讲座，在这里罗克萨娜谈到了她的个人背景与近年来的艺术创作。

我出生在波士顿，没多久就返回波罗黎各，后来就往返于两地生活。因为父亲是个军人，所以我们每三年就会搬家，与人和地方的相处都是非常短暂的，长大后那让我了解到真正的友谊和美好的经验在心里是长存不变的。但在小时候这是非常难接受的事，我跟弟弟都会去游泳，在游泳的时候你不必说话。我后来的很多作品都是与水有关的。比如《洗礼》（Bautizo），我站在瀑布里的岩石上，那非常危险。那些在生活中出现过的人和事在我心里像碎片一样，在进行创作时即时没有人知道，我也觉得内心世界处于开放和外露的状态。我的祖母和外祖母工作非常努力，同时要照顾一个大家庭。我会试着想象她们那个年代的波多黎各是什么样子，有一点像从前中国的乡村，没有电视没有手机，能想象那是非常寂寞的年代，但也许对她们来说一点也不寂寞。每次我回波多黎各，我外祖母会问我那边怎么样，但在我回答之前她会先说“哦，那儿很冷。” 因为波多黎各在南边，所以那其实不算是个真正的答案，也许她只是为了提醒我家乡永远是最温暖的地方。

我清楚意识到美术馆或者画

艺术家、作家David Robbins1979年来到纽约，曾为很多名人工作过，这些人中有Andy Warhol， Diana Vreeland等。十年间他开始在Nature Morte画廊工作，并且在REAL LIFE杂志发表了很多艺术家的访谈文章，也出版过很多著作。近期作品《具体喜剧：二十世纪喜剧的另类历史》（Concrete Comedy: An Alternative History of Twentieth-Century Comedy）本月将由Pork Salad Press出版。

具体喜剧这一术语是我在80年代末或90年代早期杜撰的术语，描述那种做大于说的喜剧，它是一种关于具体事物和动作的喜剧。是很广义的剧种，通过很多的规则表现出一种感觉，也包括画廊或博物馆的一些作品。我们日益习惯了画廊定点创作的作品或装置，它们能够激发起喜剧表演欲，但信我的，那个我84年和85年在纽约展出那种作品是这样的，简直奇怪极了。当时，纽约的艺术是新表现主义、图片一代启蒙的作品、解构加批判，或者是超级严肃的东西。艺术中的喜感是被表演出来的，想想Mike Smith或者William Wegman，你就明白我说的意思了，但这点并没有融入到墙上或地上作品里。这里有个漏洞，我开始填满它。

1988年，Christian Nagel知道了我的喜剧倾向，让我转向德国喜剧家卡尔-瓦伦丁（Karl

8月3日，一大群捐赠人、粉丝和收藏家汇聚到非收藏机构阿斯本艺术博物馆(Aspen Art Museum)。这些来自全球各地（或者来自另一个城市的第二故乡）的支持者来到这里朝圣，参加这个高海拔的博物馆一年一度的系列募捐活动“wineCRUSH”，组织该活动的赞助人是Amy Phelan和John Phelan。Phelan的家和阿斯本博物馆本身差不多——幻觉般的风格、让人眼花缭乱而又兴奋不已的娱乐活动，真是令人大开眼界——但是，这座房子的华丽与我们东家的朴实谦逊却形成了对比，他们以拥抱和香槟迎接客人，这些客人们堵在入口，和朋友、熟人和艺术家们交谈寒暄，这时候闪出一队穿着白色衣服，戴着苏富比钻石的模特，另外还有少数精心布置的保安，他们环顾四周，时刻保持着警惕。

我正要去花园帐篷的时候，吹来了一阵洛矶山季风，而这座帐篷在狂风中能够岿然不动，实在令人不可思议。在膳食总管桌子旁边，我发现了艺术家Lawrence Weiner（在入口的地方可以看到他的作品——潦草地写着：BEFORE AFTER A HOLE IN TIME）。他说：“在瑞士，人们喜欢喝发酵时间很短的酒，所以我喜欢喝苏格兰威士忌，”他说着开始慢慢地品尝这种短发酵期的烈酒。在谈论了酒之后，我们又聊了维也纳行动主义和1950年代来阿斯本博物馆参观的艺术家们，然后我们都找到了自己的桌子。在晚餐上，艺术家Rashid

2011年7月27日，国际新媒体艺术展“延展生命：媒体中国2011”在中国美术馆开幕，本期媒体艺术栏目选登了策展人张尕的文章，试图带给读者一些更为深入的思考，这种思考并不局限于展览本身，而是上升到一种理论的高度，探讨艺术、哲学、生态学、行动主义和政治之间的交换关系。

法国社会学家和哲学家布鲁诺•拉图尔（Bruno Latour）曾提到有关唐纳•哈拉维（Donna Haraway）和伊莎贝尔•斯腾格斯（Isabelle Stengers）的一则轶事。他邀请这两位学者为新开的一门硕士课的系列讲座讲讲对“政治艺术”的理解。拉图尔回忆道，“哈拉维主要讲的是如何从她的狗身上学习一种全新的政治行为方式，这让不少充满政治意识的法国公民大失所望。‘她的狗！狗和政治有什么关系！告诉我们支配、不平等、权力斗争、选举和革命的问题。’”[1] 和她常见的好战姿态相反，一贯强调政治斗争和文化论战的她很平和地把专注转向自我教育，试图重建与宠物狗的关系，将后者视为一个政治伙伴、平等的社会成员和文化讨论的参与者，这反映了当下前卫知识界中日益涌现行的一种意识。我们从格拉汉•哈曼（Graham Harman）的客体哲学（object-oriented philosophy）、雷•布拉西尔（Ray Brassier）和昆汀• 梅拉苏（Quentin Meillassoux）的理论唯物主义（Speculative

2011年7月，艺术家何岸的三个展览“好奇之黄，好奇之蓝”、“风轻似小偷”以及“乳房上各有一颗痣，肩头还有一颗”分别在北京当代唐人艺术中心、箭厂空间和魔金石空间同时展出。其实，这只是时间上的重合，每个展览都有其独立的策划和艺术理念。尽管这是三个独立的展览，并且也值得被单独分析，但这其中自然而然存在一些共同的思路，艺术家通过这三个同时进行的展览更多地向观众展现了他对于空间、互动等主题的思考，也在以下的访谈中分享了自己在创作中的波折和体验。

我认为空间无大小，展览无大小，例如，我明年也许会做一个没有画廊的展览。三个展览在一起是个巧合，我与箭厂空间在一年前就已经开始谈了。恰巧，我的代理画廊也把时间确定在了这个时期。实际上，我宁愿把魔金石的展览再往后推，因为一个艺术家同时做三个个展是不合适的。这三个展览对我的考验也很大，三个展览三个画廊会让人觉得我的代理背景很复杂。另外，去年一年来我的很多想法也积压到了一块。

关于空间我谈过很多，我并不区分展览空间和空间。我有很多建筑师朋友，我跟他们学到了很多关于建筑空间本身的知识。在当代，所谓空间就是指人的空间，在任何一个作品里，艺术家都是考虑到空间和人的肉体之间的关系。很多人觉得魔金石的空间小，但是我觉得我在里面做展览很合适，这样才能构成一个好的展览，这是毋庸置疑的。但是不是一个很优秀的展览我不清楚，我对于空间的把握就是把它做出来，也许我会把我的情感放进去，也许不会，对于这一点我谈再多也没用。比如，我说我放进去了多少情感，这是没有意义的。

纽约哈德逊偏僻小镇，乘火车到曼哈顿有两个小时的路程，但依然成为逃离城市压力的好去处。曾经的这里，布满了赌场和妓院，如今却早已不见了，这一切要归功于1951年的整顿，取而代之的是古董店和时尚咖啡屋，曾经那儿是破落的小酒吧，上周，NADA在Basilica Hudson举办了一场活动，我和同伴五分钟之内坐上了午间从Penn 车站发出的火车，上车之后却发现，周围都是忙忙碌碌的艺术人士，有些不堪其扰之感。

我们共同的目的地是NADA哈德逊，这里不像一个艺术博览会，而更像一个定点完成的作品，脑海里想到的是19世纪的滨水区。Hudson Basilica本来是一个车轮铸造厂，如今是八百平方英尺的空间，来自纽约、芝加哥、洛杉矶、伦敦、米兰和伊斯坦布尔以及哈德逊本地的艺术经纪人，展出了五十一件作品。这个活动在一个夏季周末举办，看起来很轻松，虽然其中不乏严肃的商业活动，但路边的展台作品还是很多样化的，更倾向于雕塑。也有些好玩的户外活动，包括Jennifer Catron 和 Paul Outlaw的鱼苗卡车，和一个处于倾斜状态的弹力城堡，不过，表演节目却稀稀拉拉，乏善可陈。

“我们在卖武器！”经纪人Irena Popiashvili为Artemio的珠子做成的机械枪支做宣传。“人们总是以为我为他找到了卡拉什尼科夫步枪，”她笑着说，其实是指她的罗马尼亚血统。Bureau画廊，就在附近，但没有出售武器，而是卖腿；Tom

摄影师马修•波克（Mathew Pokoik ）和编舞者安思丽•范登布洛克（Aynsley Vandenbroucke）成立的Mount Tremper Arts是纽约洲的卡茨基（Catskill）地区的当代艺术中心，举办演出、展览、居住计划、美食和艺术活动。2011年夏季艺术节已经开幕，8月21日前结束。

我们经常说Mount Tremper Arts就如艺术家的夏令营：从密集的空间，到为期七星期的节日，以及美食共享，放松的步调，美丽的环境等。我们想建立这样一个地方，在那里，如我们这样的艺术家，可以在一个密集却又随意的环境中做出有力量的作品；人们吃饭聊天，围着篝火，来建立关系和对话，艺术家可以去做有冒险性的作品，进行分享。

2003年我们发现这里时，它还是一个废弃的地方。农舍被弃用，里面有些涂鸦。几年后这里慢慢发展起来，我们开始举办年度演出和展览。

2008年，我们开启了七个星期的夏季节日，成为了一个非盈利组织，举办年度艺术家居住计划。我们以我们最为了解的舞蹈和摄影开始。我们计划从一开始就建立一个多学科空间，将各种元素和不同的艺术家汇集到一起：卡茨基的环境，蔬菜花园和事物，财政可持续发展思想以及它与本地经济之间的关系等等。

我们想创造一个激发求知欲的环境。来艺术节的这些人是我们愿意与之共餐的人。第一季是我们私下认识的朋友和艺术家，很多都一起上过学。

其中包括乔纳•波克（Jonah

7. 一千个蛋白质的绽放 Let a Thousand Protein Bloom

艺术家：Abhishek Hazra, 印度

想象一下，在不算遥远的将来，流氓国家将会利用人体生物材料制造炸弹。这件作品，便尝试了用母乳为原料制造硝酸铵。通过一个叫做“脱氨” 的过程，即从母乳中将氨提取出来，艺术家质疑了人们惯常对所谓“美好的”和“有害的”材料的理解。作品以一个失败实验的方式展现出来，目的在于提请人们对于界定科学实验本身的功利性逻辑的认知。作品所使用的母乳由The Human Milk Bank, Irvinestown, Co Fermanagh.捐献。

8. TRANSJUICER

艺术家： Boo Chapple, 澳大利亚

Transjuicer代表了几年来为制作骨扬声器而对骨基质的压电性的研究的顶峰。牛骨扬声器，也是压电转化器，实际上在转化什么呢？从纯物质角度来讲它转化电磁波－－在牛曲和骨曲的例子里－－成为纳米声波振动。这些振动被激光干涉仪记录下来，并可以用耳机收听。在另一个层面上，扬声器在宏观社会环境和微观机械干预之间转化，在牛和画廊之间，在死亡和生命之间，在科学操作和其再现之间转化。

9. 潜在图形草案 LATENT FIGURE PROTOCOL

艺术家： Paul Vanouse, 美国

潜在图形草案 (

科学博物馆（Science Gallery)位于都柏林圣三一学院（Trinity College Dublin）的诺顿研究所，2011年1月28日至2月25日在该处举办了大型新媒体艺术展《肺腑之界：现场艺术实验》（VISCERAL：The Living Art Experiment）（策展人：ORON CARRS 与IONAT ZURR）。由西澳大利亚大学的SymbioticA实验室组织的这次展览围绕生命与无生命的本质问题展开追问，探索了艺术与生物科学相结合的各种可能的方式。本期媒体栏目试图通过对这次展览上作品的介绍引起关于艺术介入科学的具体途径的思考。

策展前言

在二十世纪的最后十年，人类中心论对生命形态的介入已经进入到小至分子、大至生态圈的各个层面。 生命受到人类行为的操纵和影响至深的现状，需要新的文化策略予以反思，从而考量这种介入对于生命本身意味着什么。正是带着这样的问题，SymbioticA作为一家艺术性研究机构，于2000年在澳大利亚西澳大学的解剖学与人类生物学学院正式落成。在过去的十年中，SymbioticA促成了一系列富有创意的项目，这其中包括驻留、研究、学术课程、展览、研讨会、研习班和工作坊。此次名为VISCERAL的展览不仅是一次现场实验，同时也是对SymbioticA十年来部分研究项目发展状况的历史性回顾。

从侵入“

常言道，我们要站在别人的立场上想问题，这周末也如此。这5位美国艺术家在15天的艺术驻留项目中，利用广州当地市场上捡来的材料进行创作，此时，这些创作结果即将在中国公之于众了。一批来自北京和上海的艺术家、批评家，以及艺术媒体受邀来此参加为时一周的研讨会。我们慷慨的东家是广东时代美术馆，这家 “时代地产”旗下的新的“社区”美术馆由雷姆•库哈斯（Rem Koolhaas）设计，位于一座居民楼的19层。好像楼不如其名，我不止一次听北京过来的人说：“他肯定只是把设计图发过来的...”这座美术馆难到还会比北京那座仍旧空着的CCTV大楼及其后面那座带脆壳的建筑更令人失望吗？

展览的中文名称是“换位思考”，但如果说策展人有什么说教的意味，只要比较一下行程距离就能说明问题：来访的美国人显然比中国人从中学到了更多东西，要接触到更多陌生的概念、环境、语言。在展览开幕前最后一天的讨论上，两个擅长解构的艺术家——¬¬来自上海的艺术家石青和纽约的梅根•戈登（Meghan Gordon）——展开了争论，但没法解构更深层次的问题。本来两国艺术“体系”不同产生了各种失误，冗繁的翻译也增加了互相理解的困难，无疑是“中国面对世界”的交流方式常出现的症状。

虽然场上的对话似乎不温不火，而那些盯着各式“苹果”产品的人却全神贯注地发微博，在讨论以缓慢速度展开的同时，微博上的讨论开始热烈起来了，可见，两位艺术家们不仅仅是在

作为莫干山路M50创意园区的分园，位于武威路18号的M50西部桃浦创意园（SHANGHAI TOP）开园已有一年，香格纳展库、没顶公司、刘建华、杨福东等艺术家工作室已经入驻。在苦夏刚开始的7月，由丁力、金锋、石青、杨振中、徐震、周啸虎联合策划的艺术活动“桃浦大楼”为园区带来了前所未有的人气。活动的地点就设在园区的5号楼，整幢楼内包含了戏剧、行为、声音、展览等多种形式的项目，活像一个当代艺术游艺会。

进入5号楼，首先看到的是一楼张献的现场剧，和艺术家从容的表演相比，观众们倒是正襟危坐，似乎害怕错过任何细节；身穿黑红相间T恤的“表达性艺术治疗工作室”参与者们因项目需要在楼道和展场里穿行；通往二楼的楼道墙面上是容易被错过的毕蓉蓉的作品“工作室开放”的一部分，充满张力的多彩几何图形与线条在楼道里蔓延，线条分割营造出的气氛自由愉悦。金锋的墙面粉笔画“1949——2011”描绘的是群众在红旗下唱红歌的情景，即时应景的题材加上粉笔这一传统文化宣传媒材使观众立即与其产生心照不宣的共鸣。

“又有象被摸”展场中，唐狄鑫的行为作品“雕琢此刻”以粉笔画圈为舞台，先后邀请了三名观众用各自的方式演绎艺术家给出的数字，比如第三名观众拿到的便签纸上写着“30”，于是他选择一面在头上浇水一面围绕着舞台走了30步，最后艺术家在场中将三名观众的行为按照运动记忆重复一次，作品放大了观看与表演的界限以及心理时间的差异性。在一旁，高铭研正和对手在“落台”球场中实践，这个项目结合了桌球与足球的部分特征，参与者必须穿着比赛制服（两种颜色的西装背心）按照3张A4纸上的规则竞技。在三楼，策展人比利安娜（Biljana

丽娜-班妮杰（Rina Banerjee）熠熠生辉的雕塑装置由丝绸、羽毛、珠子、叮当作响的小贝壳组成，如那些画着鸟、兽、飘逸的半神半人的娇弱易逝的画一样，讲述的是旅行，是真实与想象的世界。在近期的展览“印度与西方的奇美拉”里，她从古老的亚洲艺术品汲取灵感进行创作，这场展览日前在巴黎吉美博物馆（Musée Guimet）举行，9月26日结束。

妈妈说我的名字很特殊，因为这个名字在印度并不常见，在拼写上很独特。于是我就自在成长，想怎样就怎样，或者我认为应该如此。我出生在Calcuttaz，在伦敦长大，之后去了纽约，这也是我现在居住的地方。因为在西方印度人并不多，所以六十年代在国外长大还是很新鲜的事。我父母将他们自己当作国际公民。也许他们想象出一个我们刚刚可以瞥见的未来。我梦想能够将文化、团体和地方的差异缩小。我觉得身份生来就是外国的；对传统的继承则是家的概念渗透出来的——这种情况体现在初次移民的人们身上。虽然我对科学的兴趣令我意识到还有另外的世界存在，这些世界与我们共存，但我们却无法感受或知晓。天空，星星，大地所蕴含的一切远比我们知道的要多。所以当我1993年在俄亥俄凯斯西储大学校拿到聚合工程学位后，我开始悄然转向了艺术。

我绝不会成为一个极简主义艺术家：我喜欢用我信手拈来的一切去捣毁美术。我想要冒险，想有探险者或科学家有的那种支配感，如一个擅自闯入的游客。我的艺术讲述的是我们对